Opera

Attraverso alcuni casi significativi della narrativa europea, è stato indagato il rapporto tra le periferie e i centri, individuando un topos ricorrente: la scena in cui un provinciale, a teatro, assiste a un'opera lirica. I romanzi e i racconti analizzati sono stati pubblicati tra gli anni Trenta dell'Ottocento e gli anni Quaranta del secolo successivo. È proprio a partire dai primi decenni del XIX secolo che, soprattutto a seguito della diffusione del modello industriale inglese e delle conquiste politiche e sociali della rivoluzione del 1789, si accentua il divario tra grandi città e province, tra centri e periferie. Il melodramma, inoltre, è esplicitamente e distesamente citato nei romanzi di quegli autori, come Manzoni, Stendhal, Tolstoj, i quali, nei loro interventi in qualità di critici, non hanno risparmiato al genere operistico le loro stoccate. Il melodramma non solo non è un contenuto censurato all'interno della letteratura, ma, con il passare del tempo, si è caricato di aspetti problematici, diventando un tema profondamente ambivalente. Dopo l'introduzione-ouverture, dove vengono illustrate le premesse storiche e teoriche, i testi sono stati suddivisi in cinque atti-capitoli 'a tema'. Il primo, il secondo e il quarto atto sono dedicati a precise tipologie di personaggi provinciali: gli ambiziosi (Julien Sorel, Lucien de Rubempré, Georges Hugon ed Hector de la Faloise), le adultere (Emma Bovary, Anna Karenina, Ana Ozores de Quintanar), le cantanti (Violetta Kutufà, Mommina La Croce, Adalgisa). Il terzo atto è dedicato a un luogo, alla Sicilia e alla rappresentazione che ne hanno dato Tomasi di Lampedusa, Elsa Morante, Vitaliano Brancati e Andrea Camilleri. Nel quinto e ultimo atto si è cercato di verificare la bontà delle riflessioni svolte in precedenza tentando di applicarle a due periferie cinematografiche: la Roma papalina del Marchese del Grillo di Mario Monicelli e il Sudamerica di Fitzcarraldo di Werner Herzog.

The talk was part of the seminar New Ways to Opera at Dramatikkens Hus (House of Drama) in Oslo, Norway 16. November 2013. It asks the ethical question of how to speak someone else's words when dealing with documentary material in performance practice. Introducing the understanding of text as thing, drawing from the philosophical grounds of "new materialism".

This paper explores the simultaneous eroticization and exoticization of Ancient Greece in the choreography of Madame Mariquita (1830-1922) for the Opéra and the commodification of this exotic ancient Greek eroticism in the popular fashion and music press in fin-de-siècle Paris. Building on work by art historian, Nancy Troy, and musicologist Mary Davis on the fashion press’s influence on modernist music and theater, this paper looks specifically at how a particular brand of exotic opera engaged with the popular press to create a truly multimedia cultural phenomenon that influenced musical “fashions.”
Contributing to popular magazines like Musica, Comœdia Illustré, and Le Théâtre, Mariquita helped sell fantasies of the ancient world to a predominantly female readership. Mariquita and her students capitalized on the magazines’ format as they wrote articles and posed for photographs that highlighted the fashionably exotic nature of the dances they created. Operas choreographed by Mariquita, like Erlanger’s Aphrodite (1906), and the early Greek inspired works of the Ballets Russes fed the hunger for the exotic on the pages of Parisian periodicals. Including these presses into the discourse provides a tantalizing entry into how exotic Greek opera functioned within a multimedia society coming to terms with a rapidly advancing media frontier.

Dietro ispirazione delle tre Weird Sisters del Macbeth, analisi del personaggio Incognito della strega come depositaria del volere del Fato all'interno di tre libretti operistici rappresentati a Venezia nel primo Seicento: "Il pastor regio" di Benedetto Ferrari, "La prosperità infelice di Giulio Cesare dittatore" di Giovan Francesco Busenello e l'"Ormindo" di Giovanni Faustini.

შესავალი ესე თარგმანისა: შარლ ბოდლერი, “რიხარდ ვაგნერი და 'ტანჰოიზერი' პარიზში“ (მთარგმნ. ლუკა ნახუცრიშვილი)  (Introductory essay to the translation of Charles Baudelaire's "Richard Wagner and 'Tannhäuser' in Paris", trans. Luka Nakhutsrishvili)

In this paper we present some technical aspects on the virtual masks created by the composer Georgia Spiropoulos for the needs of Les Bacchantes (IRCAM, 2010), a solo opera for one performer, tape and live electronics. In The Bacchæ the performer interprets four different characters within the interactive environment in Max/MSP. The “vocal masks” are seen as a metaphor of Euripides’ dramatic personae in which masks  of the same actor are used as virtual scores which register the vocal trace of the performer and give further vocal agility, extensibility, mutation, multiplication and augmented vocality.

In memory of Olivo and Vilma Andreazza, the Fondazione Giorgio Cini has created a six-month residential scholarship worth 12,500 euros to enable “second and third generation” Italians (i.e. children and grandchildren of Italians who emigrated to work abroad) to come to Italy for a study period at the Vittore Branca International Center for the Study of Italian Culture.

1. PROLOGO Introduzione – Lo Stato di Milano durante la seconda metà del Seicento
2. L’ORIONE DI CAVALLI (1653-4), I RAPPORTI CON VENEZIA E IL COMICO MILANESE I primordi del teatro d’opera a Milano e L’Orione – I confronti con i libretti veneziani: gli anni Cinquanta-Sessanta e l’autonomia del comico
3. IL SISTEMA PRODUTTIVO
Una corte, due teatri – Un breve excursus sull’ubicazione del teatro – I costi della gestione dei palchi e l’accesso a teatro – L’arena di potere della gestione teatrale – L’impresario e il Collegio delle Vergini Spagnole – L’intermediario – I cantanti e le stagioni d’opera – Appendice: nuovi documenti in Archivio di Stato di Milano
4. L’IPPOLITA REINA DELLE AMAZONI (1670) E L’IPERFESTA
Il teatro d’opera a Milano negli anni Settanta del Seicento – Il corpo del governatore: il duca d’Ossuna – I preparativi – Una moderna opera-torneo – Il prologo e l’iperfesta – Un mito diffuso, un libretto complesso – Un librettista, tre compositori – Isole, tornei, comici: esempi di drammaturgia musicale – Questioni di morfologia e analisi
5. I NOBILI ALL’OPERA: IL CASO DELLA FAMIGLIA TAVERNA
La famiglia – L’educazione musicale presso il Collegio dei Nobili e le commedie di Maggi – Il palco nel Teatro Ducale – Le opere in casa
6. IL CARNEVALE 1694: GL’AMORI MINISTRI DELLA FORTUNA E L’AIACE
Lo Stato di Milano e la Guerra della Lega di Augusta – Il Carnevale 1694 tra politica e spettacolo – Le opere del Carnevale 1694 – Gl’amori ministri della Fortuna (Francesco Silvani – Marc’Antonio Ziani) – L’Aiace (Pietro d’Averara – Carlo Ambrogio Lonati, Paolo Magni, Francesco Ballarotti) – Soluzioni musicali ricorrenti – Pietro Paolo Benigni: continuità e prassi del comico milanese
7. L’AGRIPPINA DI NORIS-MAGNI (1703) DA VENEZIA A MILANO
Introduzione – Il soggetto e le origini letterarie – Nerone sui palcoscenici italiani – «Per accomodarsi alla qualità e quantità dei recitanti»: il Nerone fatto Cesare da Venezia a Milano – Declinazioni del comico – La drammaturgia milanese «all’ombra d’Agrippina»

Der Aufsatz von Laura Moeckli skizziert die Voraussetzungen für die Darstellungspraxis an den Pariser Opernbühnen der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts und beleuchtet das etwa von Hector Berlioz verwendete Begriffspaar »noble« und »naturel«. Anette Schaffer geht dem Bühnenverhalten der Sänger und Schauspieler auf der Grundlage visueller Quellen nach, indem sie neben der Auseinandersetzung mit der Bedeutung dieser spezifischen Dokumente für die Beantwortung aufführungs- praktischer Fragen ihr Augenmerk insbesondere auf den methodischen Umgang damit legt.
Der im Rahmen des Forschungsprojekts »Sänger als Schauspieler« durchgeführte Gestik-Workshop für Studierende der Hochschule der Künste Bern schuf ein Experimentierfeld für die Erprobung historischer Gesten und ging der Frage nach, wie sich die gewonnenen Erkenntnisse allenfalls mit den heutigen Tendenzen, die schauspielerischen Aspekte der Oper stärker zu gewichten, verknüpfen lassen. Im Werkstattbericht von Edith Keller, Florian Reichert und Stefan Saborowski werden die Gesten im wahrsten Sinne des Wortes »auf den Prüfstand gestellt«.
Céline Frigau Manning beschäftigt sich in ihrem Beitrag mit der Inszenierungspraxis und den schauspielerischen Konventionen an der zweiten großen Pariser Bühne der Restaurationszeit, dem Théâtre Italien, noch bevor Regisseure zur eigentlichen künstlerischen Instanz wurden. Anselm Gerhard untersucht musikalisch-gestische Verständlichkeit anhand des von Giuseppe Verdi geprägten Begriffs der »pa- rola scenica« in der französischen und italienischen Oper um 1820 und öffnet den Blick über Paris hinaus. Der Aufsatz von Christine Pollerus beleuchtet die zeitgleiche, im Gegensatz zu Paris wenig dokumentierte Darstellungspraxis an der Wiener Oper und ergänzt sie durch theoretisch-praktische Überlegungen. Die Regisseurin Sigrid T’Hooft gewährt in ihrem Interview einen Einblick in die heutige historisch informierte Inszenierungspraxis und schlägt eine Brücke zum frühen 19. Jahrhundert. In den Texten von Pollerus und T’Hooft verbinden sich die wissenschaftlichen Erkenntnisse zur musikalischen Darstellungspraxis des frühen 19. Jahrhunderts mit den musik- und tanzpraktischen Erfahrungen der beiden Autorinnen.
Der unabhängig vom Symposium entstandene Beitrag von Stephanie Schroedter führt zurück nach Paris und erweitert den Untersuchungshorizont um die tanzwissenschaftliche Perspektive, indem er die Wechselwirkung zwischen Giacomo Meyerbeers Grands opéras und der urbanen Tanzkultur aufzeigt.

Petermann, Emily. “Intellectually Promiscuous”: An Interview with Linda Hutcheon (Konstanz, September 19, 2013). American Review of Canadian Studies, 44.4 (2014): 375-384,
DOI: 10.1080/02722011.2014.973427

Linda Hutcheon, University Professor Emeritus of English and Comparative Literature at the University of Toronto, was the University of Konstanz's choice to give the prestigious Wolfgang Iser lecture in September 2013, which simultaneously opened that year's annual convention of the German Anglistenverband (organized by Silvia Mergenthal and Reingard M. Nischik). Within this framework, Linda Hutcheon spoke to me about the development of various strands of thought in her impressive body of work - encompassing nine monographs, several collaborative books, and literally hundreds of articles and book chapters. We discussed the importance of crossing borders between disciplines, media, and nations, as well as of positioning oneself as a reader and critic. Other topics included her own intellectual background in comparative literature, in Canadian Studies, and in her more recent interdisciplinary projects on opera; recent developments in and since postmodernism; and the interconnections within her work on various practices of repetition with a difference, whether seen as postmodern, as parody, or as adaptation.

In the nineteenth century, Russian composers and critics were encouraged to cultivate a national style to distinguish their music from the dominant Italian, French, and German traditions. Not Russian Enough? explores this aspiration for a nationalist musical tradition as it was carried out in the cosmopolitan world of opera. Rutger Helmers analyzes the cultural context, music, and reception of four important operas: Glinka's A Life for the Tsar (1836), Serov's Judith (1863), Tchaikovsky's The Maid of Orléans (1881), and Rimsky-Korsakov's The Tsar's Bride (1899). He discusses such issues as the influence of Italian and French opera, the use of foreign subjects, the application of local color, and the adherence to the classics, and considers how these related to a sense of "Russianness." Besides yielding new insights for each of these works, this study offers a fresh perspective on the function of nationalist thought in the nineteenth-century Russian opera world.